As 5 obras de artistas ainda vivos mais caras do mundo

A valorização da arte contemporânea no mercado

David Hockney em frente ao Queen's Window, um novo vitral desenhado por ele para a abadia de Westminster .

As obras de arte que carregam uma história, um contexto mais abrangente, tendem a ser mais valiosas no mercado mundial de arte. Não é à toa que quadros vendidos acima dos 100 milhões de dólares são todos de artistas já falecidos, que, enquanto vivos, jamais poderiam imaginar em quanto o valor de suas criações artísticas chegariam no futuro.
Apesar disso, alguns artistas contemporâneos estão fugindo do padrão difundido que o “artista não pode estar vivo para fazer sucesso”. Tendo isso em vista, separamos uma lista com as 5 obras mais caras vendidas por artistas vivos.

Rabbit (1986) de Jeff Koons

A obra foi criada em 1986 e mede 1 metro de altura. Sua produção se deu a partir da fundição de aço inox em um coelho inflável, que rendeu um preço recorde de venda para um artista vivo: 91,1 milhões de dólares. A peça de Jeff Koons, de 64 anos (1955), foi leiloada da coleção do falecido magnata publicitário S.I. Newhouse, cujo império incluía a Conde Nast, que publicou revistas como Vogue, The New Yorker e Vanity Fair.

Portrait of an Artist (1972) de David Hockney

A pintura a óleo colorida mostra um homem elegantemente vestido de pé na beira da piscina e olhando pensativamente para outra figura nadando sob a água em direção a ele. Com a paleta de cores de um verão californiano reforçado tanto por uma paisagem ondulante e montanhosa, quanto pelo azul cristalino da piscina, temos um quadro que agrada visualmente.
A obra apareceu na capa de várias monografias sobre o artista de 81 anos (1937), e, em 2018, foi vendida por 90,3 milhões de dólares.

False Start (1959) de Jasper Johns

Em venda privada, para um bilionário de fundos hedge (Kenneth C. Griffin), Johns vendeu a False Start por 80 milhões de dólares.
Este é um quadro explosivo; a imagem não tem a mesma calma de suas pinturas anteriores. Muitos observadores sentiram uma referência ao estado de espírito do artista, ou ao seu sentimento enquanto trabalhava.

Balloon Dog – Orange (1955) de Jeff Koons

Novamente temos uma escultura de Jeff Koons na lista. Medindo cerca de 4 metros de altura, é trabalhada, assim como Rabbit, em aço inoxidável para se assemelhar a um típico cachorro moldado em balão por um palhaço em festa infantil. Faz parte de uma série de cinco esculturas de cores diferentes — amarela, azul, vermelho e magenta; e, foi vendida por 58,4 milhões de dólares.

Abstraktes Bild (1987) de Gerhard Richter

Finalizando a lista, temos uma das mais famosas obras de Richter. Ele usa tinta acrílica sobre a tela, que foi mergulhada em varreduras technicolor e, em seguida, puxada com pedaços de madeira para criar um arco-íris de abstração. O artista também afirmou que o trabalho era um dos seus favoritos pessoais, que imediatamente aumentaram o valor.
Apresentando uma grande dimensão (300 × 250 cm), os leiloeiros descreveram-no como “uma das maiores pinturas abstratas do artista e certamente uma das mais surpreendentes cromaticamente”. Foi vendido por 46 milhões de dólares na Sotheby’s em Londres para um comprador anônimo.

Fontes

• The art wonderer
• Art Investment RU
• France 24

Polêmica da Mona Lisa

Tribunal e misterioso consórcio com suposta versão mais jovem da musa de Da Vinci

Uma disputa de propriedade está esquentando sobre uma versão da Mona Lisa que se acredita ser das mãos de Leonardo da Vinci.
Um consórcio internacional é dono da pintura em conjunto, mas agora os herdeiros de um homem que comprou um quarto de ação estão processando para descobrir o paradeiro da pintura e as identidades de seus outros proprietários anônimos, a fim de recuperar o controle de seu interesse no trabalho.
O consórcio estabeleceu a Fundação Mona Lisa na Suíça há uma década para pesquisar e promover a pintura, que é conhecida como a Isleworth Mona Lisa. Mas quando o advogado dos herdeiros, Giovanni Protti, estendeu a mão para a fundação, “não obtivemos resposta alguma além de ‘não sabemos onde está a pintura; não sabemos quem são os donos; somos apenas pesquisadores fazendo trabalho de atribuição ”, disse ele.
A fim de identificar as pessoas que controlam a Isleworth Mona Lisa, Protti e seu sócio, Chris Marinello, da Art Recovery International em Londres, recorreram aos infames Panama Papers, um acervo de 11,5 milhões de documentos vazados relacionados a transações financeiras no exterior.
“Através dos Panama Papers, obtivemos algumas informações sobre os verdadeiros donos da pintura”, disse Protti. “Eles são figuras muito conhecidas no mundo da arte. Presumimos que eles são donos da pintura através de empresas offshore em paraísos fiscais”. Protti se recusou a revelar a identidade dos proprietários suspeitos, mas diz que eles vão sair no tribunal.

O Isleworth Mona Lisa , à esquerda, e obra-prima original de Leonardo da Vinci. Cortesia da Fundação Mona Lisa.

Além da disputa pela posse da pintura, há também a questão de sua autoria. Embora a Fundação Mona Lisa tenha trabalhado durante anos para provar que o segundo trabalho é também da mão de Leonardo – e alguns  estudos em periódicos revisados ​​por pares fazem esse caso – outros ainda não estão convencidos. O especialista em Leonardo da Vinci, Martin Kemp, por exemplo, tem sido sincero em sua crença de que o trabalho, que se diz representar uma versão mais jovem da Mona Lisa, não é do mestre da Renascença, mas uma cópia.

Quando revisou a pesquisa da Fundação Mona Lisa sobre a pintura no livro Mona Lisa: A versão anterior de Leonardo, Kemp escreveu em seu blog : “As pilhas de hipóteses instáveis, empilhadas umas sobre as outras, não seriam aceitáveis ​​de um estudante de graduação”.

Stanley Feldman, autor principal do livro “Mona Lisa: A versão anterior de Leonardo”, durante o evento de revelação da “Isleworth Mona Lisa” em 27 de setembro de 2012 em Genebra. Foto cedida por Fabrice Coffrini / AFP / GettyImages

A família que Protti e Marinello representam, que desejam permanecer anônimos, supostamente herdou sua parte da Isleworth Mona Lisa da Leland Gilbert, uma fabricante de porcelana. Ele havia comprado uma participação no trabalho do historiador de arte britânico Henry Pulitzer, cujo livro de 1966,  Where Is the Mona Lisa? introduziu a cópia até então desconhecida da obra-prima para o mundo.

Pulitzer deixou sua participação majoritária no trabalho para sua companheira Elizabeth Meyer, que morreu em 2008. Foi quando o consórcio internacional entrou em cena, formando a Fundação Mona Lisa para tentar provar a autoria da pintura.
“Nossos clientes tinham uma relação muito próxima com a pintura e Elizabeth Meyer”, disse Protti. “O problema começou depois da morte dela.”

A Isleworth Mona Lisa , possivelmente uma segunda versão da pintura, também de Leonardo da Vinci. Cortesia da Fundação Mona Lisa.

A Fundação Mona Lisa não respondeu a perguntas, mas um representante da fundação, Markus Frey, disse ao Art Newspaper que a alegação dos herdeiros de Gilbert era “infundada e não tem mérito”.

Desde 1975, a pintura passou a maior parte do tempo trancada em um cofre de banco suíço, emergindo em 2014 para um show em Cingapura e, mais tarde, em Xangai em 2016. No mês passado, voltou à vista pública na Europa pela primeira vez em décadas em que foi exibido no Palazzo Bastogi, de 8 de junho a 30 de julho.
Uma audiência foi marcada para 8 de setembro no tribunal civil italiano. Os herdeiros de Gilbert esperam que ela proporcione uma oportunidade para aprender como a pintura foi importada para a Itália para a exposição e para tentar impedir que ela seja exportada. “O que pedimos à corte é manter a pintura aqui na Itália”, disse Protti. “Nossos clientes gostariam de ter certeza de que a pintura não voltará ao cofre por mais 40 anos, porque é importante para o público. Eles querem que o público saiba e seja capaz de ver esta pintura.”
“Quando você possui uma pintura como esta, você é um guardião de um tesouro que é propriedade da humanidade”, acrescentou. “Os proprietários têm uma enorme responsabilidade”.

Principais artistas que fizeram o “Pop Art” dos anos 60

Pop art ou Arte pop foi um movimento artístico que se desenvolveu na década de 1950, na Inglaterra e nos Estados Unidos. Foi, na verdade, uma reação artística ao movimento do expressionismo abstrato das décadas de 1940 e 1950
Os artistas deste movimento buscaram inspiração na cultura de massas para criar suas obras de arte, aproximando-se e, ao mesmo tempo, criticando de forma irônica a vida cotidiana materialista e consumista. Latas de refrigerante, embalagens de alimentos, histórias em quadrinhos, bandeiras, panfletos de propagandas e outros objetos serviram de base para a criação artística deste período. Os artistas trabalhavam com cores vivas e modificavam o formato destes objetos. A técnica de repetir várias vezes um mesmo objeto, com cores diferentes e a colagem foram muito utilizadas.
1. Andy Warhol, 1928-1987, Pittsburgh (Estados Unidos)

Andrew Warhola, mais conhecido como Andy Warhol, foi um importante artista plástico e cineasta norte-americano. É um dos maiores representantes da pop art, além de pintor, ganhou grande destaque no cinema de vanguarda e na literatura.
2. Peter Blake, 1932, Dartford (Inglaterra)

Peter Thomas Blake é um artista plástico britânico. É considerado um dos principais representantes e pioneiro da Pop Art moderna. Além de gravurista, ele incorpora vários materiais na obra de arte. É muito conhecido por ter desenhado a capa do disco Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, dos Beatles, em 1967.
3. Wayne Thiebaud, 1920, Mesa (Arizona, EUA)

Wayne Thiebaud é um importante gravurista e pintor norte-americano que se destacou na criação de obras com teor humorístico e nostálgico. Destaca-se por retratar temáticas relacionadas a objetos do cotidiano. Suas principais obras são pinturas sobre doces, bolos, sorvetes, tortas e sobremesas. Possui também obras retratando batons, sapatos femininos e gravatas.
4. Roy Lichtenstein, 1923-1997, Manhattan, Nova Iorque, EUA

Roy Fox Lichtenstein foi um pintor norte-americano que trabalhou muito com HQs (histórias em quadrinhos), criticando a cultura de massas. Nas suas obras, procurou valorizar os clichês das histórias em quadrinhos como forma de arte, colocando-se dentro de um movimento que tentou criticar a cultura de massas.
5. Jasper Johns, 1930, Augusta, Geórgia, EUA

Jasper Johns talvez tenha sido um dos mais importantes entre os pioneiros da pop art nos Estados Unidos. Começou a pintar objetos tão vulgares como por exemplo as bandeiras, mapas, algarismos.mais clássicas e conhecidas, Flag de 1954, foi produzida em uma época em que a bandeira norte americana era constantemente estampada nos jornais do país.

Exposição da artista francesa StelH propõe o espectador a fazer parte dos processos criativos

(Imagem que ilustra pintura coletiva em telas)

Em curta temporada no Brasil para uma residência artística, em Petrópolis (RJ), a francesa StelH apresenta sua pintura molecular ao criar obras em conjunto com artistas da cidade e do Rio.

A mostra “Miscigenação” acontece no Centro Cultural da Faculdade de Medicina de Petrópolis (FMP/Fase), na serra fluminense, até dia 17 de agosto, reunindo as habilidades de StelH, Ana Clara Guinle, Doug, Gardenia Lago, Loan Tammela, Maria Eduarda Gurjão, Sônia Xavier e Claudio Partes (curadoria), além das contribuições dos próprios visitantes.

A ideia é convidar o espectador a se tornar ator e a explorar as próprias sensações nas criações propostas. “Nos inspiramos na pluralidade de identidade do Brasil para criar uma exposição onde a arte se torna alquimia, no intuito de conectar nossas humanidades, para entregar uma mensagem de paz”, conta StelH.

O curador da mostra “Miscigenação”, Claudio Partes, ressalta que a proposta pretende proporcionar, principalmente, a troca de experiências artísticas, técnicas e culturais entre StelH e artistas brasileiros. “Outro aspecto importante é o centro cultural de uma instituição de ensino promover essa aproximação e intercâmbio, que gera uma troca envolvendo artistas e público”, destaca o artista plástico.


(Obra “DNA” da artista francesa)

SOBRE A ARTISTA

StelH é nome artístico de Estelle H., que nasceu em 1973, em Montauban, no Sul da França, e chegou à arte como autodidata. Seja em escultura, em poesia ou em pintura, as obras que cria são cheias de humanidade e emoção, segundo os críticos. A artista utiliza materiais inusitados, como vinho, rosas, areia e vela.

“As moléculas do vegetal interagem com a tela, as suas cores evoluem com o tempo de acordo com as interações químicas. Numa tela, o mesmo vinho passará de rubi a rosa velho; noutra, ele será azul acinzentado. As moléculas, em movimento, entram em diálogo, têm vida própria. O aleatório se imiscui nas peças de forma que surja a ordem ocultada na desordem aparente do real”, explica StelH.

SERVIÇO

Abertura: dia 2 de agosto, às 18h
Local: Centro Cultural da FMP/Fase
Endereço: Av. Barão do Rio Branco 1003, no Centro de Petrópolis
Visitas: de segunda a sexta-feira, das 9h às 21h, e sábado, das 9h às 18h

Maior exposição de Picasso chega à China

Maior exposição de Picasso chega à China 

  

Os pavões da moda estão desfilando em Pequim neste verão. Uma mulher nova com uma colheita curta do cabelo verde de néon. Outro com franjas escarlate. Outros em sapatos pontudos e maquiagem perfeita. Um jovem com uma camisa de seda azul-clara, combinando bermudas e botas bege.
Eles são todos parte da multidão fazendo fila para ver a mostra de arte mais quente da temporada – obras do jovem Picasso no Centro de Arte Contemporânea da UCCA, uma galeria de prestígio no bairro de arte 798.
Pequim se gaba de sua cena artística. Galerias prosperam. As escolas de arte possuem um certo frisson. A arte é amplamente ensinada nas escolas primárias.
Mas encobrir todo esse fervor criativo tem a mão intrometida do governo. A censura é abundante na literatura e no cinema. Embora poucas exposições de arte tenham sido fechadas nos últimos anos, as exposições são autocensuradas, e muitos artistas optam por trabalhar no exterior para escapar dos formadores de opinião oficiais.
Para os jovens de menos de 35 anos que participaram da mostra de Picasso, alguns deles artistas, a imaginação selvagem do jovem espanhol durante as primeiras três décadas de sua carreira tocou um nervo. Eles foram cativados pelo impulso de Picasso em explorar antes de completar 30 anos. O pintor e escultor não apenas mudou o mundo da arte; ele ajudou a mudar como um novo século se viu.
Mas o tema implícito da exposição é: Será que um gênio como Picasso iria prosperar nos confinamentos da China contemporânea?
A resposta não é fácil sim ou não. Alguns artistas chineses competem favoravelmente no palco de arte do mundo, que premia o exterior, e o governo central dá as boas-vindas ao reconhecimento global que suas estrelas de arte trazem. Mas as autoridades podem interferir como censores arbitrários a qualquer momento, e qualquer trabalho que denigre o partido ou estado, ou mesmo insinuando o separatismo, é estritamente proibido.
Para os artistas e outros tipos criativos que visitam a mostra, os trabalhos de Picasso parecem sugerir o que é possível para os artistas quando estão completamente livres.
Yan Lei, um escultor de Pequim, estava no meio da exposição quando ele olhou em uma caixa de acrílico com um dos trabalhos pioneiros do artista, Violino. A mistura azul, marrom e branca de folhas de metal e fios de ferro foi criada em 1915, quando a Primeira Guerra Mundial grassava, e Picasso tinha 34 anos, mais ou menos a mesma idade que o Sr. Yan.
Ele ficou impressionado com a originalidade de tanto tempo atrás.
“Estamos fazendo isso hoje e achamos que é muito moderno”, disse Yan, que mantém um estúdio na periferia da cidade. “Ele estava fazendo isso há 100 anos.”
Boliang Shen, uma diretora de conteúdo de 34 anos de um podcast, ficou fascinada por uma escultura de Fernande Olivier, a primeira namorada de Picasso. Em alguns lugares, a madeira rústica parecia ter sido cortada com um canivete.
“Você pode sentir Picasso”, disse Shen enquanto circulava o trabalho. “Ele está procurando por si mesmo, sua própria voz.”



Picasso tem sido aceito na China. Sua antiga participação no Partido Comunista ajudou. Quando os comunistas alcançaram a vitória em 1949, a imagem de uma pomba de Picasso pairou como símbolo de paz em uma conferência internacional em Pequim, ao lado de retratos de Stalin e Mao.
Ele foi colocado na lista negra durante a Revolução Cultural, como quase todos os outros artistas rejeitados como uma influência burguesa não tolerável. Mas no início dos anos 80, uma pequena mostra de 30 obras marcou seu retorno, atraindo uma audiência ansiosa por arte européia depois das décadas da China no deserto.
“As pessoas vêm em parte porque ele é muito famoso e muito caro”, disse Philip Tinari, diretor da galeria UCCA.
Outra grande questão levantada pela mostra é se a China aprenderá a projetar o soft power de um dos melhores do mundo, a França. O Musée National Picasso-Paris emprestou as 103 obras para a exposição.
Quando o presidente da China, Xi Jinping, encontrou o presidente francês, Emmanuel Macron, na primavera, os dois homens publicamente abençoaram o programa. Mas uma falha de última hora relacionada às políticas alfandegárias rígidas da China quase impediu a abertura.
“O ponto de discórdia não era censura”, disse Tinari. “Foi porque as obras são muito valiosas”.
Como o prazo para a abertura surgiu no início de junho, a alfândega chinesa insistiu em um depósito de US$ 225 milhões – 25% do valor das obras – como uma espécie de imposto sobre vendas, tratando a arte como se fosse vendida. Essa quantia deveria ser paga pela galeria antes que as peças chegassem.
Mas a arte não estava à venda. Assim, o ministro das Relações Exteriores da França, Jean-Yves Le Drian, que estava em Pequim no final de abril para uma reunião de líderes mundiais para discutir o programa global de infraestrutura da China, pediu a seu colega chinês Wang Yi que persuadisse o depósito. E isso aconteceu.
Em 10 de junho, as obras chegaram de nove diferentes lugares da Europa e foram instaladas no vasto espaço industrial da galeria UCCA.
David Zhang, 42 anos, um instrutor de arte, reuniu seu grupo de jovens de 9 anos antes da peça principal da série, um melancólico Self-portrait de 1901 pintado em tons sombrios de azul, no rosto um cinza fantasmagórico fraco. Foi pintado após a morte de um amigo.
O Sr. Zhang, também artista, usava uma camisa branca de gola redonda, óculos sem aro, cabelo curto cortado e uma velha bolsa de couro marrom pendurada no ombro.



“Basta sentir isso, ficar na frente dele – esta é a pintura original”, disse ele.
Alguns prestaram atenção, outros se contorceram. “A cor da pele não é verdadeira cor da pele humana”, disse ele. “Como você chamaria isso?”
“Eles ficam muito empolgados vendo as pinturas reais”, disse Zhang, enquanto empurrava a multidão.
Os curadores escolheram um autorretrato de 1906 em tons de rosa e branco pálidos, com grandes olhos negros como o leitmotiv da exposição. A pintura tem uma estranha semelhança com os personagens dos filmes de animação e romances gráficos do Japão, conhecidos como mangá, uma das formas de arte estrangeira mais famosas da China.
A imagem em pastel aparece na capa do catálogo do programa, em anúncios de cartazes do lado de fora da galeria e sacolas de compras na loja.
Foi uma boa escolha de marketing, disse Wang Xingwei, um conhecido pintor de Pequim, que expôs no Museu Guggenheim, em Nova York, e apareceu no programa uma noite para conferir a resposta.



Como o mangá, o auto-retrato era “fofo”, disse Wang, oferecendo uma nova interpretação do jovem Picasso. “Bonito é uma palavra popular e importante na China agora.”
O retrato não foi o trabalho mais complicado da série, ele disse, mas se encaixou com o momento e atraiu a multidão, que se agitou para ter uma visão melhor.